מוזיאון הרצליה לאמנות עכשווית - תערוכות חורף 2023
מוזיאון הרצליה לאמנות עכשווית פותח את עונת החורף עם תערוכה קבוצתית בינלאומית מרכזית, "על קולו של חוד", שאצר האמן בן הגרי, ושלוש תערוכות יחיד, לאמנים אביבה אורי, איוון שוובל ורותם עמיצור
14 בינואר – 20 במאי 2023
התערוכה המרכזית במערך תערוכות חורף 2023 במוזיאון הרצליה לאמנות עכשווית, "על קולו של חוד", שאצר האמן בן הגרי, היא תערוכה קבוצתית בינלאומית המתפרשת על רוב שטחי המוזיאון. היא מוצגת בשיתוף פעולה יוצא דופן ומתמשך של מוזיאון הרצליה עם אוניברסיטת קולומביה, ניו-יורק. בתערוכה מבחר מרתק של יצירות מאת אמנים בינלאומיים היסטוריים ועכשוויים, בהם חשובים ומוכרים כמו קיקי סמית, ויליאם קנטרידג׳, קארה ווקר, שרה זי, ג׳ספר ג׳ונס ועוד.
מוזיאון הרצליה ממשיך לפעול בעקביות להרחבת הזיכרון ההיסטורי של האמנות המקומית, שדרכו נתפסת האמנות הישראלית העכשווית. בעשור האחרון מוצגות במוזיאון דרך קבע תערוכות של יוצרות ויוצרים ישראלים שנפטרו – חלקם מוכרים וחלקם נשכחים – המלוּות במחקר של עיזבונותיהם, וזאת מתוך מטרה לעורר מודעות מחודשת לייחוד יצירתם ולחשיבותה. הפעם מוקדשות שתי תערוכות יחיד ליוצרים חשובים שפעלו בארץ: אביבה אורי (1989-1922) ואיוון שוובל (1932-2011).
במקביל, המוזיאון חותר לחשיפה של אמנים מבטיחים. במערך הנוכחי מוצגת תערוכת יחיד מוזיאלית ראשונה לאמנית הצעירה רותם עמיצור, אותה אוצר האמן עידו מרקוס. השניים פועלים בעשור האחרון כחלק מקולקטיב של יוצרים ויוצרות בחיפה. במרכז התערוכה עבודות גדולות ממדים, מעשה טלאים מנייר, המנציחות תהלוכת ניצחון בהשראת ציור קיר של אמן הרנסנס אנדראה מנטנייה.
בין התערוכות השונות במוזיאון נפרשת רשת של הקשרים וקשרים המגוללת את סיפורו של הנייר כמצע ליצירה ואת דרכו של הקו המשמר את תנועתה של פעולת הציור. הקו עולה וקם לתחייה בתערוכות השונות כביטוי של דינמיות, ומשמיע את קולו גם בדיאלוג עם תחומי יצירה משיקים: אנימציה, איור וקולנוע.
על קולו של חוד
תערוכה קבוצתית
אמנים: דייוויד אולטמייד, ג'יימס סטיוארט בלקטון, ג'ואן ג'ונאס, ג'ספר ג'ונס, אליוט גרין, טרנטון דויל הנקוק, בן הגרי, תומס וו-דניאל, קארה ווקר, טרי וינטרס, ג'ורג' לוז ויינברג, שרה זי, רירקריט טיראוואניט, לן ליי, עפרה לפיד, ד"ר לקרה, לותר מגנדורפר, ג'ונאס מקאס, שאזיה סיקאנדר, קיקי סמית, אקי ססמוטו, בקמינסטר פולר, ויליאם קנטרידג', ג'ון קסלר, לוטה רייניגר, דשה שישקין
אוצר: בן הגרי
עוזרת לאוצר: עפרה לפיד
בשיתוף עם מרכז לירוי נימן לחקר ההדפס, אוניברסיטת קולומביה, ניו־יורק, ועבודות ממקורות נוספים.
התערוכה מבוססת על חקירה אישית מתמשכת על ההיסטוריה והמנגנונים של דימויים נעים. הדימויים הנעים הראשונים, טרום המצאת מצלמת הקולנוע, היו מבוססים על עבודות נייר שנעשו בטכניקות של הדפס. בתקופה של היעלמות מהירה של כתב היד, תערוכה זו מציגה יצירות שנוצרות באמצעים ידניים, המצאות ייחודיות ועבודות שנולדות מחלומות. כותרתה – "על קולו של חוד" – מהפכת את מבנה הביטוי "על חודו של קול" ומבקשת להעניק לחפץ חיים אינדיווידואליים וקול.
בתערוכה מוצגים תצריבים, קולאז'ים, תחריטים, ספרים זזים, תיאטראות חורי הצצה (peep shows), צלליות, סרטים, הדפסים עכשוויים, עבודות אנימציה ווידאו חדשות לצד עבודות היסטוריות מארכיונים ואוספים. העבודות ההיסטוריות מוצגות בתוך סביבות תיאטרליות חדשות, המקרינות החוצה את המרחב שבו נוצרו – כמו להיכנס פיזית מבעד לחור הצצה אל החלל המכוסה של המוח, שבו נוצרת תפיסה באמצעות ראייה דרך חורים.
קו רישומי, רוטט או רוקד, יוצא מתוך היצירות לחלל ובחזרה, ומחבר בין חדרי התצוגה השונים. הקו ש"קם לתחייה" עוקב אחר תנועת היד הרושמת כמעשה קוסמות. התערוכה עוסקת בחיבור שבין הדפס לדימוי נע, בוחנת ומציגה את יחסי הגומלין ביניהם. היא מטשטשת את ההפרדה בין הגוף האנושי לחפצים, בין אובייקטים למי שעושה בהם שימוש, בין פעולות חיות (live action) לאנימציה, ומציעה להתבונן בפעולה הידנית של יצירת דימויים נעים כנושא, כצורה וכתפיסת עולם.
איוון שוובל
FSP Free-Standing Painting
ציור העומד חופשי
אוצרות משותפת: ד"ר איה לוריא ואורי דרומר
התערוכה התאפשרה הודות לשיתוף פעולה הדוק עם משפחת האמן.
למעלה מעשור לאחר פטירתו של האמן איוון שוובל (1932–2011), תערוכה זו מציעה לחשוף ולחדש את ההיכרות עם היוצר ועם יצירתו. מתוך החומר הארכיוני הרב שהשאיר אחריו, ובמאות הציורים, הרישומים והתחריטים שלו, מתגלה אמן טוטלי, קודח, שהציור הוא עבורו צורך קיומי. יומני העבודה של שוובל מהווים ציר מרכזי בחשיבה על התערוכה הנוכחית. הם מתעדים את תהליכי עבודתו, כ"סטורי בורדס", ומדגישים בה חשיבה קולנועית, אסתטיקה דינמית של קומיקס ואלמנטים מהתרבות האמריקאית.
שוובל נולד וגדל בארצות-הברית. לאחר שנות נוודות – בין קיוטו, פריז, ניו-יורק, אתונה, קורדובה, תל-אביב וירושלים –התיישב ב-1963 בעין כרם בירושלים. בשנות השבעים הוצגו עבודותיו, בין היתר, בתערוכות במוזיאון ישראל, במוזיאון תל-אביב ובמשכן לאמנות, עין חרוד. כישרונו זכה להכרה מיידית, אולם בהדרגה מצא עצמו פועל מחוץ למעגלים האמנותיים המרכזיים ותסכולו התעצם והלך.
בעבודתו של שוובל יש קשר בסיסי בין פעולת הציור ובין עולם הקולנוע, העריכה הקולנועית והדימוי המצולם. ה"קאט" הקולנועי, ה"חיתוך", יוצר מעבר מוחלט ומיידי משדה ראייה אחד לאחר, קפיצה קדימה ואחורה בזמן ובמרחב. שוובל העיד שעבורו בד הציור הוא בבחינת מסך קולנועי המאפשר את התרחשותו של הבלתי אפשרי. לא פעם צייר וילונות גדולים בצידי הבד, כמו באולם קולנוע ישן, התוחמים את המרחב המדומיין. רבים מציורי השמן שלו צוירו על גבי ניירות או תצריבים של מראות נוף עירוני או טבעי, כמו מסכי רקע מצוירים.
בראשו של שוובל השתוללו זה לצד זה דימויים מהאקטואליה לצד פרקים מההיסטוריה היהודית. כך למשל, נראים בציוריו דימויים מסרטים דוקומנטריים ישנים ומתצלומים מתקופת השואה – דמויות יהודים מושפלים וחיילים נאציים – לצד דימויים המייצגים את גירוש יהודי ספרד דרך דמויותיהם הגרוטסקיות של המלך פרדיננד והמלכה איזבלה (רפרנס אפשרי לקולנוע של פליני, שאותו העריץ), איקונוגרפיה אנטישמית, דמויות מן ההיסטוריה של האמנות וגיבורי תרבות וקולנוע אמריקאיים המדגישים את זיקתו לתרבות פופולרית.
בפרויקט FSP – ציור העומד חופשי משנות השבעים של המאה העשרים, בנה שוובל קירות והציב אותם במקומות שונים בארץ. אפשר לראות ב"ציור העומד חופשי" גם ייצוג של הצייר עצמו – העומד חופשי, שייך לא שייך. הקירות, שאמורים היו לשמש מצע לציורי נוף, נדמים בדיעבד כמסכי "דרייב-אין" הניצבים בדד במרחב, נטועים במקום ובו בזמן זרים ומובחנים ממנו. שוובל ראה בעיני רוחו פרויקט דומה גם ברחבי העיר ניו-יורק, כפי שעולה מסדרה שהגה באותה תקופה ובה הדמיות של קולאז' אורבני המחברות בין צילום לציור. התוכניות הללו, שלא מומשו, מעלות לתודעה רטוריקה של שלטי חוצות (בילבורדס) ומלמדות על הזיקה החזקה שיצר שוובל בין חיי היום-יום והרחוב ובין האמנות.
אביבה אורי: כוחו של גורל
עבודות מאוסף בנו כלב
אוצר: בנו כלב
את תערוכתה של אביבה אורי, "כוחו של גורל", אצר החוקר והאספן בנו כלב מתוך עבודותיה באוסף שלו. במשך שנים אסף כלב, בתשוקה ובמחויבות עמוקה, אוסף ובו מיטב העבודות של האמניות והאמנים המודרניים שפעלו בארץ. התערוכה מעידה על הדיאלוג בין אורי לכלב, בין אספן ליצירת אמנות – אהבה ממבט ראשון, שהלכה והתעצמה עם כל עבודה חדשה שלה שראה. דיאלוג נוסף המקבל ביטוי בתערוכה הוא הקשר הזוגי בין אורי ודוד הנדלר – באמצעות רישומים של הנדלר ופתקי אהבה ויום-יום שהחליפו ביניהם. בתערוכה משולבות גם שתי עבודות מאוסף מוזיאון הרצליה, תרומתו של האוצר יונה פישר ז"ל, לצד תצלומי דיוקנה של אביבה אורי שתועדו ביד האמן של הצלם אברהם חי.
אביבה אורי הלכה לעולמה ב-1 בספטמבר 1989. בימי חייה הוצגו יצירותיה במיטב הגלריות וכמעט בכל המוזיאונים בארץ. התערוכות הקנו לה מעמד קנוני, של יוצרת פורצת דרך ו"ציירת של ציירים". הטיפול שלה בנייר והווירטואוזיות של הקו שלה השפיעו על מיטב אמני תקופתה, שעקבו בעניין רב אחר כל חידוש והתפתחות שבאו לידי ביטוי בעבודותיה. ב־2005 נערכה לה תערוכה רטרוספקטיבית גדולה במשכן לאמנות, עין חרוד (אוצרים: גליה בר אור וז'אן פרנסואה שוורייה), אך פרט לכך הוצגו עבודותיה בשנים שלאחר מותה רק בכמה "תערוכות זיכרון" קטנות, שחלקן היו תערוכות מכירה. רק עבודות ספורות שלה כלולות בתצוגות אוספי הקבע של המוזיאונים המרכזיים בארץ. איזה סיכוי יש, אפילו ליוצרת־על בסדר גודל של אורי, להמשיך להשפיע על התרבות הישראלית העכשווית, כשעבודותיה מוצגות לעיתים כה נדירות?
בנו כלב מעיד כי כבר למעלה מחמישה עשורים הוא מנסה, באמצעות העבודות שהוא בוחר לאסוף, להכיר את עצמו טוב יותר, לבחון מה גרם לו להעדיף אמן זה או אחר, לבדוק, בדיעבד, אם מסתמנים קריטריונים שהנחו אותו מבלי שנתן על כך את הדעת בזמן אמת. כאשר הוא רוכש תמונה מסוימת, הוא יוצר קשר לא רק עם תמונתו של האמן אלא גם עם חלק מאישיותו שלו, בשר מבשרו, או עם חלום שלא הוגשם.
התערוכה בוחנת את הגבול הדק שבין הכוח היצירתי ובין אובססיביות לשמה. כבר בעבודות המוקדמות שלה, משנות החמישים ותחילת שנות השישים, אפשר למצוא את רוב אוצר המילים האמנותי של אורי. בחלק מעבודותיה הקו נקי, שוטף, ברור ונזירי והיא שולטת בו שליטה מלאה, אך בעבודות אחרות ניכר בבירור שמרגע שעפרונה נגע בגיליון הנייר, הקו הוא השולט בה.
רותם עמיצור: הארץ השטוחה
אוצר: עידו מרקוס
פרויקט מונומנטלי שהתחיל במפגש מקרי של האמנית הצעירה רותם עמיצור עם רפרודוקציה קטנה ודהויה של לוח אחד מתוך תשעה בציור מפורסם של אמן הרנסנס אנדראה מנטניה, תהלוכת הניצחון של יוליוס קיסר (1484-92). בעקבות אותו מפגש יצרה עמיצור אינספור פרשנויות למבנה הציור בצבעוניות חזקה ורוטטת, בטכניקה המשלבת ציור וקולאז'. הפרויקט אינו חותר לחקור את הציור ואינו מבקש לחקותו או להעתיקו, אלא לחשוף את הצירים שבבסיסו, את שורשיו, ומהם לבנות מלודיה אחרת.
שפתה ההיברידית של עמיצור, בין ציור לקולאז', שואבת השראה ממסורות אמנות שונות, כמו גם מטכניקות של עבודות טלאים (quilts) וטקסטיל. היא אינה מסתירה את תהליך העבודה: אלפי חורים קטנים בניירות המרכיבים את הקולאז'ים מעידים על השינויים שנעשו בהם בתהליך היצירה; מפת חורים המייצגת את תנועת הידיים היוצרות ושינוי מתמיד בניסיון להטיל עוגן. חומר הגלם בעבודותיה של עמיצור הוא נייר לבן ופשוט, שאותו היא צובעת בצבע תעשייתי, המשמש כבסיס למגוון פעולות מורכבות ומפגשים מפתיעים. הניירות החתוכים שלה נראים כיבשות השטות במעין תנועה טקטונית על פני כדור ארץ שטוח, והתוצאה היא מחזה מרהיב, שפשטותו מבוססת על מלאכת מחשבת.
התערוכה היא תולדה של דיאלוג מתמשך בין עמיצור לבין האוצר, האמן עידו מרקוס. השניים פועלים בעשור האחרון כחלק מקולקטיב של יוצרים ויוצרות בחיפה.
מוזיאון הרצליה לאמנות עכשווית רח' הבנים 4, הרצליה
שעות פתיחה
שני, שלישי, רביעי, חמישי, שישי ושבת: 10:00 – 14:00
ימים שלישי וחמישי 16:00 – 20:00
ימי ראשון סגור
דמי כניסה – 30 ש״ח.
כניסה חינם– ידידי המוזיאון, ילדים ונוער עד גיל 18, חברי ארגון יד לבנים, עיתונאים, חברי איקו"ם
Herzliya Museum of
Contemporary Art
Winter 2023 Exhibitions
Herzliya Museum of
Contemporary Art opens the winter season with a key international group show, On
Point, curated by the artist Ben Hagari, and three one-person shows, for
artists Aviva Uri, Ivan Schwebel, and Rotem Amizur.
January 14 – May 20, 2023
The
main exhibition of the 2023 Winter season at the Herzliya Museum of
Contemporary Art is the group exhibition On Point, curated by the artist
Ben Hagari. It covers most of the Museum’s grounds, and is the result of a
unique, extensive collaboration with the collection of prints on paper of the
LeRoy Neiman Center for Print Studies in the School of the Arts at Columbia
University, New York. The exhibition features a fascinating selection of works
by contemporary and historical international artists, including renowned ones
such as Jasper Johns, William Kentridge, Kiki Smith, Sarah Sze, Kara Walker,
and more.
Over
the past decade, the Herzliya Museum has sought to expand the historical memory
of local art, through which contemporary Israeli art is perceived. The Museum
has consistently presented exhibitions of deceased artists – some well-known
and some forgotten – coupled with research of their artistic legacy, in a bid
to raise a renewed awareness of the uniqueness and importance of their work.
This time two solo exhibitions are dedicated to important artists who were
active in Israel for many years: Aviva Uri (1922–1989) and Ivan Schwebel
(1932–2011).
At
the same time, the Museum strives to present upcoming, promising artists. Rotem
Amizur is a young artist for whom this is a first solo exhibition at a museum,
curated by the artist Iddo Markus. The two have been working for the past
decade as part of a collective of artists in Haifa. At its heart are
large-scale, paper-based collages depicting a triumphal procession inspired by
a reproduction from an old book – a fragment from a large mural by Renaissance
painter Andrea Mantegna.
Interlinking
all the exhibitions is a web of medial and conceptual internal contexts.
Collectively, the exhibitions tell the story of paper as a creative platform,
and of the drawn line that retains the movement of the drawing action. That
line, coming alive in the exhibitions as an expression of dynamism, makes its
voice heard through a dialogue with related creative fields: illustration,
animation, and cinema.
On Point
Participants:
David Altmejd, James Stuart Blackton, Trenton Doyle Hancock, Buckminster
Fuller, Elliot Green, Ben Hagari, Jasper Johns, Joan Jonas, William Kentridge,
Jon Kessler, Dr. Lakra, Ofra Lapid, Len Lye, Lothar Meggendorfer, Jonas Mekas,
Lotte Reiniger, Aki Sasamoto, Dasha Shishkin, Shahzia Sikander, Kiki Smith,
Sarah Sze, Rirkrit Tiravanija, Tomas Vu-Daniel, Kara Walker, George Laws
Weinberg, and Terry Winters
Curator:
Ben Hagari
Assistant
Curator: Ofra Lapid
In
collaboration with the LeRoy Neiman Center for Print Studies in the School of
the Arts at Columbia University, New York
The
exhibition On Point is a result of
the curator’s ongoing personal exploration of the history and mechanisms of
moving images. Early moving images, prior to the invention of the film camera,
were works on paper created through printmaking. At a time of handwriting's rapid
disappearance, this exhibition begs the necessity of creating things by hand,
of idiosyncratic production and work born from dreams.
The
exhibition includes etchings, collages, engravings, movable books, peepholes,
silhouettes, films, animation, and new video works, alongside historical works
from archives and collections. Historical works are presented in theatrical
environments that seem to project the space of early cinema outside itself,
much as the visible world is projected within the brain from information passed
through the eye holes.
A
wiggly or dancing line emerges from the pieces into the space and vice versa,
linking together the various exhibition rooms. The line that “comes alive”
follows the movement of the drawing hand like an act of magic. The exhibition
blurs the distinction between humans and things, between objects and their
users, and between live action and animation, and considers hand-made moving
images as a theme, a form, and a worldview.
Ivan Schwebel
FSP Free-Standing Painting
Co-curated
by Dr. Aya Lurie and Ori Drumer
The
exhibition was made possible thanks to close cooperation with the artist’s
family.
More than a decade after
Ivan Schwebel (1932–2011) passed away, this exhibition seeks to renew the
acquaintance with the artist and his work. Through the vast archival material
he left behind, and among the hundreds of his paintings, drawings, engravings
and work journals, a total, driven artist is revealed, for whom painting
was an existential need and a refuge.
His work journals reflect
his life much as a storyboard reflects a movie, at times like a graphic novel.
They highlight elements in his artwork such as cinematic thought, cartoon-like
dynamic aesthetics, and American culture.
Schwebel was born in the
United States. In 1963, after years of wandering – between
Kyoto, Paris, New York, Athens, Cordova, Tel Aviv, and Jerusalem – he settled in Ein Karem,
Jerusalem. His paintings featured in exhibitions at the Israel Museum,
Jerusalem, the Tel Aviv Museum, the Mishkan Museum of Art, Ein Harod, and more.
While his talent was immediately recognized, his frustration mounted as he
gradually found himself working increasingly outside the mainstream.
In Schwebel’s work there is
a fundamental connection between the act of painting and the world of cinema,
the photographed image and cinematic editing. The cinematic cut creates
an utter and immediate transition from one field of view to another, a jump
back and forth in time and space. Schwebel recounted that for him the canvas
was like a cinematic screen that allows the impossible to happen. He often
painted large curtains on either side of the canvas, as in an old movie
theater, delimiting the imaginary space. These paintings, full of pathos,
convey creative intensity. In many of his
works, etchings
or landscapes (urban or natural) are used as a substrate for painting, much
like an architectural film set.
In Schwebel’s mind, images
of current affairs ran wild side by side with episodes from Jewish history.
Thus, for example, his paintings show images from old documentaries and
photographs from the Holocaust period – figures of humiliated Jews and Nazi
soldiers –along with images representing the expulsion of the Jews from Spain
through the grotesque figures of King Ferdinand and Queen Isabella (possibly referencing Fellini, whose films he admired); antisemitic iconography;
various figures from the history of art; and American cultural and cinematic
icons, highlighting his affinity with popular culture.
In his FSP –
Free-Standing Painting project from the 1970s, Schwebel constructed walls
and placed them at various sites in Israel. The Free-Standing Painting
might also be seen as a representation of the painter himself –standing free
and apart. The walls, which were supposed to serve as a support for landscape
paintings, come across as drive-in screens that stand in isolation, at once
rooted in the site and alien and distinct from it. Schwebel envisioned creating
a similar project throughout New York City, as evident from a series of images
he conceived with renditions of urban collages that combined photography and
painting. These plans, which never came to fruition, bring to mind the rhetoric
of billboards, and underline Schwebel’s strong urge to link together art with
everyday life and the street.
Aviva Uri: La Forza Del
Destino
Works
from the Benno Kalev Collection
Curator:
Benno Kalev
Researcher
and collector Benno Kalev curated Aviva Uri’s exhibition, La Forza Del
Destino, based on his unique art collection, which is centered on
paper-based works. For years, with passion and deep commitment, Kalev has
assembled a collection of the best works of modern artists active in Israel. The current exhibition
attests to the dialogue between Uri and Kalev, which was one between a
collector and a work of art. It was love at first sight, which grew stronger
with every new work of hers that he saw. Another dialogue that is apparent in
the exhibition is the romantic relationship between Uri and David Hendler – in
the form of Hendler’s drawings as well as in notes – love notes and quotidian
ones – exchanged between the two. Also included are works by Uri that had been
donated to the collection of Herzliya Museum by the late curator Yona Fischer,
and portraits of her by photographer Avraham Hay.
Aviva
Uri passed away on September 1, 1989. In her lifetime, her works were exhibited
at the best galleries, and in almost all the museums in the country. Thanks to
these exhibitions she gained a canonical status of a groundbreaking artist and
“a painters’ painter.” Her handling of paper and the virtuosity of her line
influenced the leading artists of her time, who followed every innovation and
development in her works with keen interest.
In
2005, a large retrospective of Uri’s work was held at the Mishkan Museum of
Art, Ein Harod (curated by Galia Bar Or and Jean-François Chevrier), but
otherwise, since her passing, her works have only been on display at a few
small “memorial exhibitions,” some of which were for sale purposes. Only a few
of her works have been included in the permanent collection exhibitions of
Israel’s major museums. What chance is there, even for a great artist of Uri’s
caliber, to continue influencing contemporary Israeli culture, when her works
are so rarely exhibited?
Benno
Kalev recounts that for over five decades now, he has been trying, through his art
selections as a collector, to get to know himself better – to examine what made
him prefer this artist or that; to see, with hindsight, whether there were any
criteria that unknowingly guided him at the time. After all, when he acquires a
certain painting, he is not only connecting with the artist’s work, but also
with a part of his own self – a part of his personality or an unfulfilled dream
of his.
The exhibition examines the
fine line between the creative force and obsessiveness for its own sake.
Already in Uri’s early works, of the 1950s and early 1960s, most
of her artistic vocabulary is clearly discernible. In some of her works the
line is clean, fluid, clear and austere, and fully under her control, but in
other works it is clear that from the moment her pencil touched the paper, the
line itself was in charge.
Rotem Amizur: The Flatland
Curator:
Iddo Markus
The Flatland is a monumental project that
began with Rotem Amizur’s chance encounter with a small and faded reproduction
of one panel out of nine from The Triumphs of Caesar (1484–92), a famous
painting by the Renaissance artist Andrea Mantegna. She produced countless interpretations
of the painting’s structure, with strong and vibrating colors, in a mixed
technique of painting and collage. Her project does not seek to explore the
painting, nor does it seek to imitate or copy it, but to reveal its underlying
themes and construct a different melody from them.
Amizur’s
hybrid
language, one between painting and collage, is founded on a variety of artistic
traditions. At the same time, she draws inspiration from quilting and textile
techniques. She does not hide the process of making the work: Thousands of tiny
holes in the pieces of paper that make up the collages attest to the changes
they underwent in the creative process – a kind of map documenting the movement
of her hands as they created and changed, in their attempt to cast an anchor.
The raw material in Amizur’s works is simple white paper, uniformly painted in
flat industrial paints. These simple pieces of papers serve as the basis for
diverse complex operations and surprising encounters. Amizur’s cut-up pieces of
papers are like continents floating tectonically on a flat earth, and the
result is a spectacular sight, whose simplicity arises from masterful
craftsmanship.
The
exhibition is the result of a prolonged dialogue between Amizur and the
curator, the artist Iddo Markus. The two have been working for the past decade
as part of a collective of artists in Haifa.
https://www.herzliyamuseum.co.il/en/
Herzliya Museum of Contemporary Art
Habanim 4, Herzliya
Opening Hours
Sun. Closed
Mon, Tue, Wed, Thu 10:00 - 14:00
Tue, Thu 16:00 - 20:00
רותם עמיצור
תגובות
הוסף רשומת תגובה